Premios Descubrimientos PHotoESPAÑA

Sonia Celma (Alcañiz, 1974) explora la intersección de forma, tiempo y espacio, construyendo una práctica que dialoga con la arquitectura, la música y la fotografía. La arquitectura ha moldeado su mirada, la música ha influido en su manera de componer, y la fotografía le ha permitido acercarse al ser humano que crea y habita los espacios, revelando cómo busca en la música su refugio y su sentido de identidad. Su obra transita entre la observación del entorno construido y la intimidad de quienes lo habitan, estableciendo un diálogo poético entre espacio, sonido y presencia.

Artista visual portuguesa (Oporto, 1984) que explora la memoria, la identidad y las huellas del colonialismo a través de proyectos fotográficos y publicaciones independientes. Ha participado en exposiciones colectivas como Tránsitos. Fotografías en un mundo global (Centro de Arte Alcobendas, 2024) y fue parte de la AFF2025 – Africa Foto Fair en Costa de Marfil. Su práctica trasciende la documentación, generando diálogos críticos sobre el pasado y sus implicaciones en el presente, y su obra integra colecciones privadas en Brasil, Angola y España.

Catara Rego (Lugo, 1996) desarrolla su práctica en torno a la exploración de territorios, memoria y paisaje, combinando fotografía, instalaciones y formatos experimentales. Ha presentado exposiciones individuales como Inventario de geometría continua (Centro de Creación Contemporánea Navel, Madrid, 2025) y Zona de sacrificio (PHotoEspaña, Madrid, 2024; Museu de la Mediterrània, Torroella de Montgrí, 2025), además de participar en numerosas colectivas, entre ellas This Space Does Not Exist en Matadero Madrid y Feridas en FFoco Festival, A Coruña.

Fotógrafo y artista visual español (València, 1987), ha participado en talleres y clases magistrales con destacados fotógrafos como José Manuel Navia, Luis González Palma, Samuel Aranda y Alberto García-Alix. Su práctica combina técnica y narrativa visual, explorando la fotografía contemporánea desde una mirada crítica y experimental.

Saarinen (Finlandia, 1979) centra su práctica en cuestiones de identidad, comunidad y pertenencia en un mundo marcado por la migración constante. Combina proyectos sociales con trabajos más personales que incorporan elementos de autoficción. Su obra ha sido reconocida internacionalmente, con exposiciones individuales en Turku Kunsthalle y participación en muestras colectivas como Open Walls en Galerie Huit Arles (Rencontres d’Arles 2019) y The Best of LensCulture en Klompching Gallery, Nueva York (2018).

Artista visual e investigadora brasileña (Belo Horizonte, 1985) cuyo trabajo aborda cuestiones contemporáneas, con especial atención a los derechos humanos y el medio ambiente desde una perspectiva decolonial. Desarrolla proyectos que exploran la agencia política de la fotografía y el papel de los medios visuales en la sociedad. Su trabajo ha sido exhibido y publicado internacionalmente, incluyendo UNESCO, Amnesty International y The Photographers’ Gallery, y forma parte de un compromiso constante con el activismo social.

Artista multidisciplinar (Rusia, 1990) cuya práctica combina fotografía, escultura, vídeo e instalación para investigar la realidad desde una perspectiva crítica y constructiva. Utiliza técnicas documentales para explorar conceptos abstractos como el amor, el turismo, la burocracia, la política y el feminismo, creando imágenes e instalaciones que cuestionan la percepción y el significado de lo fotográfico y consolidándose como una voz innovadora en la investigación visual contemporánea.

Para Grasas (Barcelona, 1970), el viaje se convierte en el hilo conductor de su obra, mientras que el territorio emerge como el núcleo central de sus narrativas. En la intersección entre el documentalismo de investigación y la fotografía de autor, sus proyectos exploran la complejidad del presente a través de la representación de un paisaje contemporáneo extraño y alienado, otorgando especial relevancia al papel de la tecnología en un mundo postcapitalista. Conexiones entre geografía, historia y cuestiones sociopolíticas como la diferencia y la hiperrealidad son elementos recurrentes en series como Atenea, Hotel, dulce hotel y WALLS.

Fotógrafo colombiano radicado en París, cuya obra combina post-fotografía, archivo y

autobiografía para explorar la relación entre memoria personal y colectiva. Su proyecto Jardín de mi padre parte de la búsqueda de una fotografía enviada por los secuestradores de su padre en la selva amazónica colombiana, transformando la ausencia de la imagen en un ensayo visual performático que emplea apropiación, collage y reconfiguración de la fotografía documental y autobiográfica. Su trabajo reflexiona sobre la contingencia, la finitud y el legado, proponiendo nuevas maneras de narrar y habitar la memoria a través de la imagen.

Artista visual chileno (Santiago, 1983) cuya práctica explora la ciudad y los fenómenos urbanos en Latinoamérica. Su obra analiza el crecimiento acelerado y desordenado de las ciudades, evidenciando su carácter híbrido y ecléctico. A través de fotografía, vídeo y postproducción digital, Durán crea experiencias visuales que reflejan las contradicciones y transformaciones del espacio urbano, empleando soportes diversos como carteles publicitarios, instalaciones, videoinstalaciones y fotografías de gran formato y reconsiderando estos entornos como una constante negociación social, cultural y estética.

Artista visual griego (Atenas, 1982) que combina la práctica fotográfica y cinematográfica con la investigación académica en teoría del arte y estética cinematográfica. Ha realizado exposiciones individuales en el Centro de Arte Alcobendas, el Macedonian Museum of Contemporary Art y Hyper Hypo, y ha participado en muestras colectivas en instituciones de prestigio internacional como Artgenève, el New Museum de Nueva York – Deste Foundation, el Benaki Museum, Rencontres d’Arles y Noorderlicht Photo Festival.

Artista visual argentina (Buenos Aires, 1976) que desarrolla una práctica fotográfica centrada en los límites entre verdad y ficción, explorando la dimensión afectiva y autobiográfica de la imagen sin caer en el sentimentalismo. Su obra combina narrativas personales con experimentaciones formales sobre el medio, abordando cuestiones de puesta en escena y autorreferencialidad. Su trabajo ha sido expuesto internacionalmente en ciudades como Buenos Aires, Ciudad de México, Barcelona, Londres, Madrid y Houston, y forma parte de colecciones públicas y privadas en México, España y Brasil.

Artista estadounidense (Dallas, Texas, 1981) cuya práctica performativa se centra en el retrato como herramienta de exploración de la individuación, los sistemas culturales y sociales de pertenencia, y las narrativas de identidad, mito y memoria. Su trabajo, profundamente personal, ha sido reconocido con numerosos premios internacionales y ha sido publicado y reseñado en medios como The Guardian, British Journal of Photography y The New York Times. Además, forma parte de colecciones públicas y privadas como el Museum of Fine Arts, Houston; el Centro de Arte Alcobendas en España; y Villa Noailles en Hyères, Francia.

Fotógrafo y curador israelí (Jerusalén, 1980) cuya obra se centra en la exploración de la identidad israelí a través de la arquitectura, el paisaje y la diversidad social de su país. Formado en fotografía y en curaduría crítica en la Bezalel Academy of Arts and Design de Jerusalén, desarrolla proyectos a largo plazo que combinan la fotografía directa con la construcción de narrativas ficticias, explorando cómo lo religioso, social y político moldea la realidad personal y colectiva.

Fotógrafo mexicano (Culiacán, 1975) cuyo trabajo documenta y denuncia la violencia sistémica y la inseguridad estructural en México, explorando la cotidianeidad para revelar la distancia entre la realidad y lo que debería ser. A lo largo de más de quince años, su práctica ha recibido reconocimiento nacional e internacional.

Fotógrafa británica (Barton-upon-Humber, 1960) cuya obra se articula en torno al viaje, ahonda en el carácter de lugares marcados por la inestabilidad o por conflictos identitarios. Conceptos como frontera, memoria, identidad o historia aparecen recurrentemente en su trabajo, en su mayoría en blanco y negro. En 2011, Winship fue la primera mujer ganadora del prestigioso Premio Henri Cartier-Bresson.

Artista visual mexicana (Ciudad de México, 1980) cuya obra transita entre fotografía, escultura, pintura, cerámica y vídeo, explorando constantemente las intersecciones entre medios y la redefinición de sus límites, partiendo de materiales cotidianos o descartados. Su trabajo ha sido exhibido internacionalmente y forma parte de colecciones permanentes como el Museo Jumex, el Museum of Fine Arts de Houston y el Centro de la Imagen en México, consolidándola como una de las voces más innovadoras de la fotografía contemporánea en Latinoamérica.

Fotógrafo suizo (Vevey, 1981) cuya práctica combina fotografía, vídeo e instalación, explorando cómo la humanidad construye su identidad a través de las imágenes y transforma el entorno natural. Su trabajo se ha visto profundamente influido por su experiencia en Brasil en proyectos de reforestación, dividiendo desde entonces su tiempo entre Europa y Sudamérica. Su obra, exhibida internacionalmente y publicada en medios como Aperture, National Geographic, The New Yorker o The Guardian, ha sido reconocida con numerosos premios.

Artista y académico finlandés (Tampere, 1976), Pälviranta centra su práctica en la exploración de la violencia en la sociedad y la relación entre las imágenes y sus múltiples manifestaciones, ya sean sistémicas, estructurales, directas o simbólicas. Su trabajo, basado en estrategias documentales pero con un enfoque post-documental y subjetivo, cuestiona más que responde, generando reflexiones críticas sobre la representación de la agresión y sus efectos sociales. Formado en Ciencias Políticas y Fotografía en Finlandia, completó su doctorado en Fotografía en la Universidad Aalto de Helsinki. Ha expuesto internacionalmente en museos y galerías de Europa, Asia y América,

Fotógrafo francés cuya obra se sitúa en la intersección entre arte contemporáneo y fotoperiodismo, explorando los márgenes de la sociedad y los espacios de exclusión. Desde 1996 ha desarrollado proyectos centrados en comunidades marginadas, como su serie sobre los habitantes del barrio El Cartucho en Bogotá, documentando la pobreza extrema, la adicción y la violencia cotidiana, sin moralizar, sino invitando a la reflexión sobre nuestra capacidad de indignación ante las injusticias sociales. Su trabajo combina rigor documental con un enfoque estético que recuerda a lo barroco y al universo felliniano, retratando personajes excéntricos y escenarios cargados de intensidad narrativa.

Fotógrafa y creadora visual búlgaro-neerlandesa cuya obra se inscribe en una profunda reflexión sobre la memoria, la identidad y los procesos de transformación cultural en sociedades fragmentadas. Documenta culturas en desaparición y la nostalgia colectiva, explorando las tensiones entre individuo y comunidad en un mundo en constante cambio. Nikolaeva ha expuesto en numerosos festivales y museos de Europa y ha desarrollado proyectos editoriales y series que revelan su inquietud por capturar momentos de tránsito y transformación social.

Con base en Basilea, su práctica se caracteriza por una aproximación experimental y abierta al uso de múltiples medios. Su trabajo, marcado por una actitud lúdica e irónica, desafía continuamente las expectativas del espectador, proponiendo proyectos que incorporan preguntas sutiles y desplazamientos conceptuales. A través de procesos colaborativos y metodologías que privilegian la indeterminación y la libertad creativa, desarrolla obras en las que el resultado permanece parcialmente abierto, integrando contribuciones externas y explorando los límites entre autoría, proceso y representación.

Fotógrafo canario cuya práctica se centra en la construcción de la imagen como espacio de reflexión conceptual. Esta serie fotográfica Escapistas explora la vida urbana, capturando momentos de «huida» o evasión de la rutina diaria. En ella, muestra rostros cansados y busca conectar al hombre con el océano y la naturaleza, a menudo utilizando surfistas como figuras de esta desconexión.

La práctica artística de Tanit Plana (Barcelona, 1975) se fundamenta en una concepción expandida de la fotografía, entendida como un campo abierto a formas fluidas de documentación y retrato. Interesada en la mutabilidad de los hechos y en el potencial documental de la ficción, su trabajo explora las tensiones entre realidad y construcción narrativa. Asimismo, investiga las estructuras de información y las infraestructuras que configuran internet como espacio de producción y circulación de imágenes. Desde esta perspectiva, desarrolla proyectos que generan contextos de interacción fotográfica y pensamiento crítico, especialmente en colaboración con adolescentes, situando la práctica artística como herramienta de reflexión colectiva.

La práctica artística de Sophie Dubosc (Francia, 1971), centrada en la exploración de la imagen desde una perspectiva conceptual y poética, ha sido presentada en instituciones como el Mucem, la Bienal de Tesalónica, el Frac Normandie Rouen, el Palais de Tokyo, las galerías de la ENSBA o el Musée des Abattoirs de Toulouse, así como en numerosos centros de arte contemporáneo. A lo largo de su trayectoria, ha participado en diversas residencias internacionales, entre ellas Beirut Art Residency, la Fundación Josef y Anni Albers (Connecticut), el Centre Hospitalier Départemental Georges Daumézon, la Residencia Internacional de Artistas en Argentina, la Synagogue de Delme y Le Pavillon, laboratorio de creación del Palais de Tokyo. Desde 2011, compagina su práctica artística con la docencia en la École Supérieure d’Art et de Design Le Havre-Rouen.

Fotógrafo español (Murcia, 1959) formado de manera autodidacta, inicia su relación con la imagen a una edad temprana, cuando recibe su primera cámara y comienza a documentar el entorno familiar, experiencia que marcará de forma decisiva su trayectoria. Desde sus inicios en la fotografía social hasta la consolidación de su propio estudio en la juventud, su práctica ha transitado con naturalidad entre géneros como el retrato, la publicidad o la arquitectura. A lo largo de su carrera ha desarrollado una mirada que combina oficio, intuición y una constante búsqueda de intensidad emocional, manteniendo un compromiso sostenido con la experiencia fotográfica como forma de narración.

Fotógrafa argentina (La Plata, 1955) cuya práctica se centra en la memoria, la violencia política y las huellas del trauma en el territorio. Tras su detención durante la dictadura militar (1976-1983) y su posterior exilio, su obra establece un diálogo entre experiencia personal e historia colectiva. Desde su regreso a Argentina, ha desarrollado proyectos en torno a los vestigios de los centros clandestinos de detención y los procesos de reconstrucción de la memoria. Su trabajo forma parte de importantes colecciones internacionales.

A través de fotografía, escritura y archivo, el trabajo de Matías Costa (Buenos Aires, 1973) explora las nociones de identidad, territorio y memoria, vinculándose a estas cuestiones mediante el extrañamiento, la búsqueda y el azar como motores de su proceso creativo. Ha expuesto en instituciones como el Museo Reina Sofía, Sala Canal de Isabel II, Hubei Museum of Art (China), Centro de Arte José Guerrero, Fundación Mapfre, Casa de la Fotografía de Moscú o el Centro de la Imagen de Ciudad de México. Su obra forma parte de colecciones como el Ministerio de Cultura, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, la Casa Rosada (Argentina), el Centro de Arte Alcobendas, el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá y la Moscow House of Photography. Colabora habitualmente con medios como The New York Times, El País Semanal y Mare Magazine.